Mi parte de lo bueno

Estoy leyendo la novela 2666 del escritor chileno Roberto Bolaño. Un par de amigos me habían recomendado este libro y comencé  a leerlo sin saber nada de su argumento. La sorpresa está siendo muy grande al encontrarme con una novela cruda y global.  Ahora estoy leyendo el cuarto capítulo, La parte de los crímenes, en la que Bolaño describe y enumera los crímenes de Santa Teresa, una ciudad mexicana que coincide con Ciudad Juárez, por lo que sucede allí y por sus características.  Simplemente es desgarrador y a veces dejo de leer este largo capítulo lleno de nombres de mujeres asesinadas.

Hoy me he reencontrado con el trabajo de Mayra Martell, una joven fotógrafa mexicana. Mayra es de Ciudad Juárez y documenta los espacios privados de esas mujeres desaparecidas cuyos cuerpos no han aparecido. En sus habitaciones encontramos detalles como esta nota en la que una de ellas anotó sus metas a corto y a largo plazo. Mayra comenta sobre su trabajo: “Es como hablar de su presencia a través de los recuerdos que tienen sus familias. Son chicas que salieron a la escuela o a la tienda; que tienen cinco, 10 años desaparecidas y su familia no sabe si regresarán… Como muchas no tienen fotos, la reconstrucción es mediante la memoria. Ahora que lo pienso, creo que no fotografío la ausencia, sino la presencia que continúa en esos espacios”.

Entrevista a Mayra Martell

mayra Martell

Mayra Martell

Mayra Martell

I am reading the novel 2666 , writen by the Chilean Roberto Bolaño. A couple of friends had recommended this book and I started to read it without knowing anyhting about its plot. It has been a big surprise finding this raw and global novel. Now I am reading the forth chapter, The Part About the Crimes, in which Bolaño describes and lists the crimes of Santa Teresa, a Mexican city with teh same characteristics and crimes as  Ciudad Juárez.  It is simply bloodcurdling, sometimes I stop reading this long chapter full of names of murdered women

Today I have found again the work of  Mayra Martell, who is a young Mexican Photographer. Mayra comes from Ciudad Juárez and she documents the private spaces of the missing women whose bodies haven’t appeared. In her rooms we findwdetails as the note where one of these women wrote her aims in a short term and in a long term. Mayra says about her work: ” It is as speaking about her presence through the memories their families have. They are girls who went to school or to a shop; who are missing for 5, 10 years and their families don’t know if they will come back… As many families don’t have photos, the reconstruction is made through memory. Now I think about it, I think I don’t photograph the absence,  but the presence that continues in those spaces”.

El trabajo de la fotógrafa croata Margareta Kern es muy interesante.

Destaco sus series Clothes for Death y Graduation Dresses. En estos trabajos aborda el tema del vestir y sus funciones sociales. El vestido de la fiesta y el vestido de la muerte.

Margareta tenía un blog mientras realizaba Clothes for Death

Margareta Kern. Tea (Cosmopolitan dress) 2005

Mara (Orubica, Croatia), Clothes for Death series, 2007

The work of the Croatian photographer Margareta Kern is very interesting.

It is worth noting her series Clothes for Death and Graduation Dresses. In these projects she deals with the issue of clothes and its social functions. En estos trabajos aborda el tema del vestir y sus funciones sociales. The dress fot the party and the dress for death.

Margareta kept a blog while she was doing Clothes for Death.

Este año va a ser el año de Paul Graham. Su arriesgado trabajo fotográfico está alcanzando el reconocimiento que merece gracias a distintas exposiciones, premios y ediciones de libros.

En el Folkwan Museum de Essen (Alemania) hay una exposición que revisa su obra desde 1981 al 2006. Esta exposición viajará a Deichtorhallenr en Hamburgo y a la Whitechapel de Londres. También se editará un libro que repasará su trayectoria.

El próximo miércoles también se inaugura una exposición en el MOMA de Nueva York con su trabajo (COMPLETO)  A Shimmer of Possibility.

Paul Graham también ha sido nominado al importante premio Deutsche Borse Photography Prize y expondrá en la Photographers Gallery de Londres desde el 20 de febrero con los otros nominados: Taryn Simon, Emily Jacir y Tod Papageorge.

La editorial Steidl va a sacar otra edición de su/s  libro/s A Shimmer of Possibility. En esta edición se reunirán los 12 libros en un solo volumen con portada blanda.

En fin, que Paul Graham no para este año y yo me alegro muchísimo!!

This is going to be Paul Graham’s year. His risky photographic work is getting the recognition it deserves thanks to some exhibitions, prizes and book editions.

At the Folkwan Museum de Essen (Germany) there is an exhibition that looks through his work since 1981 to 2006. This exhibition will travel to Deichtorhallenr in Hamburg and to the Whitechapel in Londres. A book that will review his trayectory will be published too.

Next Wednesday a show will open at  MOMA in  Nueva York with his project (entire) A Shimmer of Possibility.

Paul Graham has also been shortlisted for the relevant Deutsche Borse Photography Prize and he will exhibit at the Photographers Gallery in Londres  from 20th.  february with the other candidates: Taryn Simon, Emily Jacir and Tod Papageorge.

Publisher Steidl is going to publish another edition of his book/s A Shimmer of Possibility. This edition will gather the 12 books in a single volumenEn esta edición se reunirán los 12 libros en un solo volume published as a soft cover.

Ulrich Gebert y lo invisible

Una de las capacidades de la fotografía es la de mostrarnos aquello que es invisible, lo que está ahí, sabemos que existe pero no lo vemos. Esto es lo que ha hecho el fotógrafo alemán Ulrich Gebert.

En su trabajo American Pk. 1 Gebert busco en Valencia a esos trabajadores invisibles e ilegales que se reúnen en plazas españolas y esperan ser recogidos por furgonetas para ir a trabajar a obras o al campo. Gebert comenta: “Fue duro porque nadie está contento al ver un fotógrafo documentando estas cosas. Tuve que investigar cómo se organizaba el trabajo, donde la gente se reuniría muy temprano, antes del amanecer. Sucede por todas partes pero es algo secreto (…)Es una herramienta visual importnate mostrar lo que está sucediendo. La visión desde arriba era importante para mí . (..) Era un intento de retratar todo el sistema, un sistema en él que lso trabajadores no son tratados como individuos”.

Este trabajo fue portada del nº 16 la revista holandesa Foam , que estaba dedicada a fotógrafos menores de 35 años.

Ulrich Gebert. Installation view

Ulrich Gebert. Amerika Pt.

Ulrich Gebert and the invisible

One of the characteristics of photography is its ability to show what is invisible, what is there, we know is there but we don´t see it. This is what German photographer has done.

In his project American Pk. 1 Gebert looked for those invisible and illegal workers that meet in Spanish squares, in thsi case in Valencia. Gebert says: “It was a hard time because of course nobody is happy to see a photographer around documenting those things. I had to research how the work was organised, where people would meet very early in the morning before the sun rose. It´s happening all over the place, but still it’ a secret thing (…) It’s a important visual tool to show what ’s happeneing. The view from above was important to me. (..) It was an attempt to portray the whole system, a system where workers don´t get treated as individuals”

This worl was the cover image of  nº 16 of the  Dutch photomagazine Foam, which was dedicated to photgraphers under 35.

Zoe Leonard está exponiendo su trabajo en el Museo Reina Sofía de Madrid hasta el 16 de febrero.

El pasado lunes visité esta exposición y fue una grandísima sorpresa. Leonard en su proyecto Analogue, 1998-2007, comenzó documentando el deterioro y el cierre de los comercios del Lower East Side de Nueva York. Luego se fijo en los grandes fardos de ropas usadas que se envían al Tercer Mundo. Posteriormente Leonard viajó a Uganda, Polonia, México DF, Cuba y Jerusalén y estudió las interconexiones culturales y económicas de una economía global, pero también los símbolos propios como son los carteles pintados a mano. este trabajo es complejo y rico, está compuesto por más de 10.000 imágenes y aquí se muestran unas 400 organizadas según un criterio conceptual.

Zoe Leonard dice en esta entrevista: “Para mí la fotografía es intrínseca a la observación. Es estar en el presente y tener una inequívoca perspectiva sobre él, sobre el mundo que me rodea. No se trata tanto de crear, o de mi imaginación – como podría serlo el dibujo. Es más una cuestión de respuestas. Elegir observar determinados objetos o situaciones. No es solo lo qué estoy mirando sino también cómo lo miro. La fotografía baraja una noción de absoluta verdad. Cuando la gente mira una fotografía, la cree. Creemos que representa la realidad, creemos que un retrato puede mostrar el verdadero carácter de alguien. Si mira una foto creerá que realmente sucedió de esa manera. Las fotos son “testimonios”. Mis fotografías se arrastran a lo largo de ese borde. Documento el mundo, pero desde mi propio e influenciado punto de vista. Deseo crear al espectador dentro del proceso de observación, y que juntos logremos ver estas cosas. Deseo mostrarle lo que veo. Tomo fotos de lo que me mueve. A veces esto es la belleza – cascadas, el océano. Cosas que me llenan de sobrecogimiento. A veces son evidencias de nuestra cultura. Cosas que me asustan, me disgustan, o me enojan. Lo frustrante de todo esto es que si estoy sintiendo algo o deseo expresar ciertos pensamientos, debo encontrar algo realmente fuera de mí que me lo represente visualmente, algo en el mundo a qué sacarle fotos.”

Imagen de la Documenta 2007, donde se mostró Analogue, extraída de: http://www.flickr.com/photos/virginia-castro/

Zoe Leonard, Analogue, in Documenta 2007

Zoe Leonard, Analogue, 1998,2007

Zoe Leonard is showing her work at Museo Reina Sofía in Madrid till 16th. February.

Last Monsay I visited this exhibition and it was a huge surprise. Leonard, in her project Analogue, 1998-2007, started documenting the deterioration and closure of the stores of New York Lower East Side. Later she payd attention to the huge bundles of clothes that are sent to the Third World. Next Leonard travelled to Uganda, Poland, Mexico City, Cuba and Jerusalem and she investigated the cultural and economic interconecctions of a global economy, but also their own symbols as handpainted signage. This worl is complex and rich, it consists in more than 10.000 images and here aproximately 400 are shown arranged conceptually.

Zoe Leonard says in an interview: “For me photography is intrinsically about observation. It’s about being present in and having a certain perspective on, the world around me. It’s not so much about creating, or my imagination – as drawing, for instance, may be. It’s more about responding. Choosing to look at certain objects or situations. It’s not just what I’m looking at but how I look. Photographs play with the idea of absolute truth. When people look at a photograph, they believe it. We believe that it exposes reality. That a portrait can show someone’s true character. If you see a picture of something, you believe it really happened that way. Pictures are proof. My photographs crawl along that edge. I document the world, but from my own biased point of view. I want to draw the viewer into the process of looking so we can look at these things together. I want to show you what I see. I take pictures of what moves me. Sometimes it’s beauty – the waterfalls, the ocean. Things that fill me with awe. Sometimes it’s gathering evidence, spying on our culture. Things that scare me or disgust me or make me angry. The one part that’s frustrating is if I’m feeling a certain way or want to express certain thoughts, I have to actually find something out in the world that visually conveys that to me, something to take pictures of.”

Analogue was shown first at Documenta 2007.

He descubierto el trabajo de Sarah Pickering gracias al nº 16 de la revista Foam, dedicado fotógrafos menores de 35 años.

El trabajo de Pickering me parece una buena muestra de prácticas documentales contemporáneas. Destacaría también la cohesión entre sus distintas series, como se complementan entre ellas. En la serie “Fire Scenes” refleja cómo las instituciones, en este caso el Fire Service College (la academia británica de bomberos), representan y construyen los interiores domésticos para sus ejercicios prácticos y / o investigaciones. En estas representaciones por parte de las instituciones surgen también muchos temas interesantes.

Sarah Pickering lo explica así: “Tomé imágenes antes y después de que quemaran los espacios hasta reducirse a cenizas, pero para mi, la imagen más interesante era mientras estaban ardiendo. Estaba fascinada por ese momento suspendido en el tiempo. En términos de género, son imágenes documentales, pero son eventos escenificados. Son imágenes de representaciones institucionales del mundo real. (…) piensas que estás siendo testigo de algo dramático, pero no. Aunque fotografío algo escenificado, yo no lo he escenificado. Creo que es más revelador que que yo diga “así es como creo que nos deberíamos representar”. Creo que tiene cierta importancia. Me parece que la fotografía tiene una relación difícil en el mundo del arte. Se ha criticado a la fotografía por la poca dedicación personal en al construcción de la imagen,a menos que hagas algo delante de la cámara. Tengo mucho respeto por los fotógrafos que construyen escenas para ser fotografiadas, pero yo siento que estoy reaccionando contra eso”.

Sarah Pickering, series "Fire Scenes", Cigarette, 2007

I have discovered Sarah Pickering’s work thanks to nº 16 of Foam magazine, devoted to under 35 years photographers.

I consider Pickering’s work a good sample of contemporary documentary practice. I would stress the cohesion among her different series, as they complement each other. The serie “Fire Scenes” reflects how institutions, in this case the Fire Service College, represent and build the house interiors for their practical studies and/or investigations. In these institutional representations many interesting issues arise too.

Sarah Pickering explains her work this way: ” I took images before and after the units burnt the spaces down to ash, but to me, the most interesting image was while they were burning. I was fascinated with the suspended moment in time. In terms of genre, they are documentary photographs, but they are of staged events. They are images of institutional representations of the real world. (…) you feel like you are witnessing something dramatic, but you’re not. Although I am photographing something staged, I haven’t staged the events. I think it´s more revealing than me saying “this is the way that I think we could be represented”. I feel like there’s a certain amount of resonance. I think photography has a difficult relationship in the art world. it’s been criticised for there not being enough personal investment in the making of an image, unless you make something in front of the camera as well. I have a lot of respect for the work of photographers who construct scenes to be photographed, but I feel that I’m reacting against that”.

Estoy leyendo Crónica del pájaro que da cuerda al mundo de Haruki Murakami. En un diálogo dos personajes hablan sobre la curiosidad y la valentía, dos caracteristicas que siempre he asociado con los fotógrafos, especialmente con los fotógrafos documentales. Es interesante y revelador el texto. Parecería que la curiosidad es lo primero y que luego los fotógrafos se arman de valentía para continuar con sus proyectos.

“… ¿Eres valiente?

- No mucho-dije

- ¿Y nunca lo has sido, ni siquiera antes?

- Nunca, jamás lo he sido.

- ¿Y curiosidad? ¿Tienes?

- Curiso sí lo soy, un poco.

- Y no crees que la curisidad y la valentía se parecen? – dijo May Kasahara-. Donde hay valentía hay curiosidad, y donde hay curiosidad hay valentía, ¿no te parece?

- Pues sí. Es posible que se parezcan en algo – dije-. Quizá haya casos en los que coincidan , tal como dices. (…) Por ejemplo (…) Cuando entras furtivamente en el jardín de los demás parece que la valentía y la curiosidad actuén juntas. A veces, la curiosidad puede despertar el coraje o avivarlo. Pero en la mayoría de los casos, la curiosidad enseguida se desvanece: la valentía tiene que recorrer un camino más largo. La curiosidad es igual que un amigo simpático en quien no puedes confiar. Te instiga y, cuando le parece, se va. Y entonces tú solo tienes que tirar adelante haciendo acopio de coraje.” pág. 75

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I am reading Haruki Murakami´s “The Wind-Up Bird Chronicle”. In a dialogue two characters talk about curiosity and courage, two characteristics that i have always related to photographers, specially to documentary photographers. The text is interesting and revealing. It would seem that curiosity goes first and then photographers pluck up courage to go on with their projects.

“… Are you brave?

- Not much-I said

- And have you never been, even before?

- Never, I have never been.

- And curiosity? Are you curious?

- Curirous I am, a bit.

- And don´t you think curisity and courage are alike? – May Kasahara said-. Where there is courage there is curiosity, and where there is curiosity there is courage, don´t you think?

- Well. It is posible that they look alike- I said-. Pues sí. Perhaps there is chances where they coincide, as you say (…) For example (…) When you get in furtively in other people´s garden it seems that courage and curiosity act together. Sometimes, curiosity can arouse courage or get it going . But in most cases, curiosity soon vanishes: courage has to cover a longer way. Curiosity is like a nice friend you cannot trust who incites you and when he wants, he dissapears. And then you alone have to go on gathering all your courage”

Personal Translation, Sorry