Mi parte de lo bueno

El efecto turifel “consiste en una especie de descrédito que va minando irremediablemente la autoridad de la presencia física de determinados “monumentos” mundialmente famosos cuando esa presencia es, por así decirlo, desgastada por el precedente de una indiscretamente inmoderada anticipación de representaciones iconográficas. Tan insistente repetición de esa misma imagen va educando -o más bien pervirtiendo- de tal manera la mirada a la instantánea inmediatez del reconocimiento, que el ojo acaba por identificar antes que ver. El ojo que identifica ya no ve;  sustituye la antigua percepción de algo por su identificación, trueca la imagen en mera identidad; y toda identidad es redundante: un símbolo que sólo se simboliza ya a sí mismo. Cientos o miles de fotografías de la Torre Eiffel (por no hablar de su reproducción, metálica de bulto -huelga decir que a escala reducida-, que no sólo era, al menos en mis tiempos, el impepinable souvenir de París, sino también el protodinasta o arquetipo de todos los souvenirs del mundo) vistas antes del primer viaje a París se interpondrán de manera tan obstrusiva en la mirada que menoscabarán en cierto modo hasta la convicción empírica de tenerla por fin físicamente delante de los ojos!”

Rafael Sánchez Ferlosio, Vendrán más años malos y nos harán más ciegos, Ed. Destino 1993, Pág, 171, 172.

El trabajo de la fotógrafa croata Margareta Kern es muy interesante.

Destaco sus series Clothes for Death y Graduation Dresses. En estos trabajos aborda el tema del vestir y sus funciones sociales. El vestido de la fiesta y el vestido de la muerte.

Margareta tenía un blog mientras realizaba Clothes for Death

Margareta Kern. Tea (Cosmopolitan dress) 2005

Mara (Orubica, Croatia), Clothes for Death series, 2007

The work of the Croatian photographer Margareta Kern is very interesting.

It is worth noting her series Clothes for Death and Graduation Dresses. In these projects she deals with the issue of clothes and its social functions. En estos trabajos aborda el tema del vestir y sus funciones sociales. The dress fot the party and the dress for death.

Margareta kept a blog while she was doing Clothes for Death.

Zoe Leonard está exponiendo su trabajo en el Museo Reina Sofía de Madrid hasta el 16 de febrero.

El pasado lunes visité esta exposición y fue una grandísima sorpresa. Leonard en su proyecto Analogue, 1998-2007, comenzó documentando el deterioro y el cierre de los comercios del Lower East Side de Nueva York. Luego se fijo en los grandes fardos de ropas usadas que se envían al Tercer Mundo. Posteriormente Leonard viajó a Uganda, Polonia, México DF, Cuba y Jerusalén y estudió las interconexiones culturales y económicas de una economía global, pero también los símbolos propios como son los carteles pintados a mano. este trabajo es complejo y rico, está compuesto por más de 10.000 imágenes y aquí se muestran unas 400 organizadas según un criterio conceptual.

Zoe Leonard dice en esta entrevista: “Para mí la fotografía es intrínseca a la observación. Es estar en el presente y tener una inequívoca perspectiva sobre él, sobre el mundo que me rodea. No se trata tanto de crear, o de mi imaginación – como podría serlo el dibujo. Es más una cuestión de respuestas. Elegir observar determinados objetos o situaciones. No es solo lo qué estoy mirando sino también cómo lo miro. La fotografía baraja una noción de absoluta verdad. Cuando la gente mira una fotografía, la cree. Creemos que representa la realidad, creemos que un retrato puede mostrar el verdadero carácter de alguien. Si mira una foto creerá que realmente sucedió de esa manera. Las fotos son “testimonios”. Mis fotografías se arrastran a lo largo de ese borde. Documento el mundo, pero desde mi propio e influenciado punto de vista. Deseo crear al espectador dentro del proceso de observación, y que juntos logremos ver estas cosas. Deseo mostrarle lo que veo. Tomo fotos de lo que me mueve. A veces esto es la belleza – cascadas, el océano. Cosas que me llenan de sobrecogimiento. A veces son evidencias de nuestra cultura. Cosas que me asustan, me disgustan, o me enojan. Lo frustrante de todo esto es que si estoy sintiendo algo o deseo expresar ciertos pensamientos, debo encontrar algo realmente fuera de mí que me lo represente visualmente, algo en el mundo a qué sacarle fotos.”

Imagen de la Documenta 2007, donde se mostró Analogue, extraída de: http://www.flickr.com/photos/virginia-castro/

Zoe Leonard, Analogue, in Documenta 2007

Zoe Leonard, Analogue, 1998,2007

Zoe Leonard is showing her work at Museo Reina Sofía in Madrid till 16th. February.

Last Monsay I visited this exhibition and it was a huge surprise. Leonard, in her project Analogue, 1998-2007, started documenting the deterioration and closure of the stores of New York Lower East Side. Later she payd attention to the huge bundles of clothes that are sent to the Third World. Next Leonard travelled to Uganda, Poland, Mexico City, Cuba and Jerusalem and she investigated the cultural and economic interconecctions of a global economy, but also their own symbols as handpainted signage. This worl is complex and rich, it consists in more than 10.000 images and here aproximately 400 are shown arranged conceptually.

Zoe Leonard says in an interview: “For me photography is intrinsically about observation. It’s about being present in and having a certain perspective on, the world around me. It’s not so much about creating, or my imagination – as drawing, for instance, may be. It’s more about responding. Choosing to look at certain objects or situations. It’s not just what I’m looking at but how I look. Photographs play with the idea of absolute truth. When people look at a photograph, they believe it. We believe that it exposes reality. That a portrait can show someone’s true character. If you see a picture of something, you believe it really happened that way. Pictures are proof. My photographs crawl along that edge. I document the world, but from my own biased point of view. I want to draw the viewer into the process of looking so we can look at these things together. I want to show you what I see. I take pictures of what moves me. Sometimes it’s beauty – the waterfalls, the ocean. Things that fill me with awe. Sometimes it’s gathering evidence, spying on our culture. Things that scare me or disgust me or make me angry. The one part that’s frustrating is if I’m feeling a certain way or want to express certain thoughts, I have to actually find something out in the world that visually conveys that to me, something to take pictures of.”

Analogue was shown first at Documenta 2007.

El trabajo del fotógrafo francés Eric Tabuchi se puede ver hasta el 5 de Diciembre en la galería y editorial parisina Florence Loewy.

Esta serie sobre camiones es muy divertida. !Tabuchi se ha convertido en un experto en fotografiar desde un coche!. En su myspace hay otra serie sobre gasolineras abandonadas. La manera de distribuir su trabajo y también sus temas nos recuerdan al artista norteaméricano Edward Ruscha.

Eric Tabuchi. Alphabet Truck

The work of the French photographer Eric Tabuchi can be seen till 5th. December in the Paris gallery and publisher Florence Loewy.

This series about trucks is very funny. Tabuchi has become an expert in photographing froma car! In his myspace there is another series of abandoned petrol stations. The way of distributing his work and also his subjects reminds us to the work of the North American artist Edward Ruscha.